He llegado a sentir que la idea de contactar la auténtica esencia de uno mismo es sinónimo de “denudatio”, entendido como el proceso a través del cual la imaginación, tras recibir una impresión del mundo por medio de los sentidos, elimina los accidentes, los residuos aparenciales, hasta depurar de la forma su esencia. Paradójicamente, este proceso de denudare, es decir, de “desnudar”, nos fortalece.

Hace algunos años, descubrí el texto del filósofo italiano Giorgio Agamben, titulado “Desnudez”. Él habla desde el léxico de la filosofía y el misticismo. Equipara “ser Dios” con “ser desnudo” (ese autem Deus ese nudum sine velamine est) (1).
El pensamiento de Agamben reverbera de manera profunda con mi entendimiento de que llegar al nivel de la “esencia suprema”, es decir, a la médula de nuestro propio ser, representa no sólo el conocimiento supremo, sino también el proceso en sí mismo de llegar a conocer.

A lo largo de todos estos años, uno de los elementos medulares que han detonado mi creatividad artística ha sido la búsqueda de la identidad, la reiterada pregunta de quién y qué soy yo en el nivel más profundo, la búsqueda de la esencia de mi identidad a través del desmembramiento y la disección de mi propia corporalidad.

Las imágenes de esta exposición emergen de una constante búsqueda personal. Estas imágenes expresan una metáfora visual conformada por la multiplicidad de capas de mi propio ser.

Mi obra representa un equilibrio entre la miríada de voces que me conforman, y sus opuestos. Son imágenes que pretenden materializar la complejidad de mi propia esencia.

Independientemente de que estas imágenes expresan mi propia experiencia de los procesos de desnudamiento y auto-devenir, en su significado arquetípico también representan un aspecto universal.

Superposición de capas, fragilidad, fuerza, complejidad, unicidad, fragmentación, desmembramiento, conexión, conciencia, dualidad, esencia, re-membramiento, totalidad, el ser mismo, síntesis, transformación, transfiguración, puentear, proceso, movimiento perpetuo, búsqueda, sufrimiento encarnado, sincronicidad, trascendencia, encarnación. Estos procesos son el territorio necesario para llegar a la verdadera esencia de nosotros mismos.

Todas las imágenes en esta exposición, conforman un diario íntimo que refleja el sufrimiento, la lucha y la transformación sanadora en mi propio proceso psíquico. Las imágenes emergen primero; después las descifro y articulo. A través de procesos posteriores de análisis, establezco un diálogo primordial que me permite relacionarme con las diferentes partes de mí misma que emergen en estas imágenes espontáneas que me piensan.

Para mí, es altamente significativo que el sufrimiento y la sanación en mi propio proceso, tal cual se expresa en mi trabajo, reverberan con la historia del espacio para el cual fue concebida esta obra: el Palacio de la Santa Inquisición, fundado en la época virreinal; un lugar donde se torturaba y se daba muerte. Posteriormente, en 1854, se convirtió en la sede de la Escuela de Medicina; después se convirtió en la Escuela de Medicina y Enfermería de la Universidad (hoy en día UNAM), cuyo propósito era la sanación. Esta compleja dualidad de sufrimiento y sanación inherente al edificio mismo, está encarnada en mi obra.

Para la creación de esta obra, me conecté con la poderosa experiencia de la vida, sintiendo la fuerza y la complejidad de mi propia lucha en el proceso de expresarla en estas imágenes. Esto involucra sufrir la miríada de realidades de mi propio ser, desde el reconocimiento de que es posible trascenderlas.

El profundo compromiso que tengo con mi crecimiento psíquico a través del análisis junguiano, ha abierto un camino profundo que me ha permitido no sólo encontrar y crear mi propio mito y símbolos, sino también entender cómo estos se relacionan con la simbología y la mitología universal.

Por años, me he sentido atraída hacia elementos de origen animal, entre estos los nidos, los caparazones de tortuga y los huesos de pelicano. A pesar de que antes de esta serie no los había integrado en mi trabajo, han sido presencias que he coleccionado a través del tiempo. Estos elementos me remiten a un sentido de pertenencia al universo.

Durante el proceso de creación de estas obras, estos elementos animales, que por años me han acompañado, fueron integrados y amalgamados en mi trabajo de una manera inesperada.

Muchos de los elementos temáticos que han caracterizado mi trabajo a lo largo del tiempo, re-emergen en las piezas que forman parte de esta exhibición. Mi abecedario pictórico se encuentra aquí.

Salvador Elizondo solía decir: “las obras de arte deben de estar en un lugar más allá de donde se pueda hablar de ellas”. Comparto con él la idea de que las obras traen consigo cargas simbólicas de las que estamos totalmente inconscientes y que no es necesario articular.

Sin embargo, sentí el impulso de describir mi experiencia desde mi necesidad y deseo de compartir tanto mi proceso de exploración como mi proceso de pensamiento, sin minimizar el misterio del origen de las imágenes que me habitan e intento plasmar.

Una vez que termino una obra o una serie de obras, tomo distancia y las analizo. Al hacerlo, descubro sincronías que me permiten darme cuenta del hecho de estar conectada con algo mucho más grande que yo, y que hablo desde una miríada de voces.
La búsqueda detrás de estas obras, es una respuesta a la incesante necesidad de conocerme y ser yo misma. Creo en la profundidad y la fuerza de estas experiencias y sé, desde lo más profundo de mi ser, que están relacionadas con las vidas y experiencias de todos los seres humanos.

Sandra Pani

Proponemos una inmersión visual y sonora en el mundo poético de la plástica de Sandra Pani, hacedora de telas vibrantes en movimiento, hacedora de cuerpos en línea de fuga y devenir vegetal, hacedora de múltiples devenires de su ser a través de la fragmentación dionisiaca y la disección quirúrgica de su propia corporalidad. Un cuerpo-yo y muchos cuerpos y órganos, ojos, oídos……un árbol.

Vamos a conocer y reconocer(nos), vamos a sentir y escuchar imágenes-afección, vamos a desvelar pliegues y texturas, vamos a desnudar(nos) en lo que el filósofo Giorgio Agamben llamaría “denudatio perfecta”. Abrir los ojos y los oídos descubriendo las sutiles caricias entre la música, las formas y los cuerpos. Esta es una exposición con telas-pieles para acariciar(se), sonidos para besar-susurrar al oído, esta es una ofrenda para hacer el amor al arte.
Para vivir esta experiencia sinestésica (del griego `junto´ y `sensación´), para oír colores y texturas, ver sonidos reflejados en el claroscuro de este espacio barroco, nos encomendamos a la filosofía nietzchiana (arte=vida) y a las diosas hilanderas de la mitología griega, las Moiras encargadas de tejer el hilo por el que se rige el destino humano (lo invisible del trabajo artesanal femenino) ; Atenea y su sabiduría práctica; y Ariadna que nos ofrece el hilo que hemos de seguir en el laberinto del autoconocimiento.

Invitamos al público a que se tome su tiempo para escuchar y ver con una mirada diferente, a participar en los diálogos y actividades en torno a la exposición, y a redescubrir el barroco Palacio de la Escuela de Medicina desde este espacio contemporáneo de diálogo neobarroco de las artes como una estética de la existencia.

“Nuestro hermoso deber es imaginar que hay un laberinto y un hilo….”